Любить глазами, стремиться прикоснуться и учиться новому: финальный обзор Artweek-2022

В 2022 году Artweek представил работы 162 авторов, откликнувшихся на объявленный open call. Чтобы вместить всех, кураторы нашли несколько вариантов: часть картин, фотографий, инсталляций и скульптур разместили непосредственно в экспозициях; некоторые полотна и кадры оказались на уличной выставке перед «Победой» в виде репродукций; остальные работы представили видеодокументацией. Каркас фестиваля создали из работ художников, которых вовлекли с помощью кураторского приглашения.

«Десять авторов мы пригласили специально: московские художники Роман Манихин и Роман Резницкий, красноярские фотографы Полина и Владимир Мордвиновы, студенты Санкт-Петербургского государственного университета информационных технологий Иван Заславец и Павлина Белокреницкая, художник NYZUZ из Аргентины — это был каркас, который поддержал статус международности и уровень устраивающего нас качества», — говорит Анна Галеева, куратор экспозиции в Белой галерее.

Основным предметом внимания в Белой галерее кинотеатра «Победа» стала живопись: в одном пространстве смешали полотна кардинально различных стилей, техник и размеров.

На стенах западной части галереи работы, выполненные цифровой печатью, поместили между холстами, написанными маслом, — так расположили, например, картины «Объединение необъединяемого: от красок до чувств» художницы Юлии Лячек, и работу «Без названия» Карины Горбатовой. На противоположной стене — проект «Движения» художницы из Новосибирска Елизаветы Рыловой, фрагменты которого выполнены цветными карандашами и ручками. В восточной части галереи добавились сюжеты, воплощённые акрилом, маркерами и даже пластилином.

Многообразными оказались и масштабы: лаконичные работы 30 х 30 см соседствуют с диптихом художницы-муралистки из Новосибирска Светланы Соловьёвой — две части полотна занимают около двух метров стены.

Разнородности стилей этой экспозиции тоже не занимать: классическая живопись перебивается чёрно-белой графикой, постерами в drawings for kids и кричаще-неоновым поп-артом. Кстати, в этом направлении работает и один из ключевых хедлайнеров фестиваля — московский художник Роман Резницкий.

«Когда я был молодым художником, мне не хватало таких фестивалей, поэтому сейчас я их очень люблю и приезжаю, чтобы поделиться своей практикой в арт-бизнесе. Многие изучают его по книжкам, но не хватает прямого опыта, а у меня он есть, и воздушные замки я придумывать не буду.

И конечно, такие мероприятия — это всегда опыт и поддержка, которая художникам точно необходима», — рассказывает Роман Резницкий.

Несмотря на продиктованный самим пространством галереи формат, увидеть можно было не только полотна — в экспозиции были и объекты интерьера. Дизайнер Анна Михайлова в своих инсталляциях Shared и Web показала, что предметы для дома тоже могут быть в первую очередь искусством с собственной историей и смысловой нагрузкой.

Искусством может стать и обычный мусор, который способен трансформироваться в атрибут красоты: это изобразила Анна Порошина в своей серии «Полиэтиленовые облака».

На очевидную ретроспективность указывает и возвращение к сюжетам детских сказок: на выставке нашлись сразу две работы, вдохновлённые «Алисой в Стране чудес». Художницы Соня Ворона и Оксана Муратова независимо друг от друга отразили схожие мотивы — острое желание побега и ощущение головокружительной потерянности.

Ещё одной из самых заметных (и фотогеничных!) работ экспозиции стала картина Екатерины Ларичкиной «Руки — проводники Любви». Красной нитью художница провела демонстрацию иллюзорности нашей уверенности в будущем и призрачность подконтрольности происходящего, а красную точку сделала символом той любви, в которой и есть смысл и вечность.

После смены манифеста фестиваля на «Точку» этот геометрический объект появился на многих выставленных работах.

Практически все авторы тем или иным образом затронули телесность: художники передали её либо в прямом значении через антропоморфность формы, либо в более абстрактном изображении тела города, здания или мысли — но связь с физическим уровнем осталась неразрывной. Через неё авторы словно нащупывали близость: с окружающим миром, происходящими событиями и собой — особенно ясно это отразилось в фотоработах Ольги Лазарь, Анастасии Дегтярь, Веры Халецкой.

Колоссальное внимание художники уделили также поиску и пониманию себя — нащупыванию трансформации человека в будущем, с которым ещё не получается просто быть. Зримым лейтмотивом обозначилась и проблема слишком зыбкой со-настройки: с собой, другими людьми и глобальностью.

И оказалось, что в поиске этого баланса может помочь даже суповая тарелка — если поставить на неё чёрную точку. Именно так сделал в своей инсталляции «Чернее чёрного» Валерий Панфилов: заглядывающий в отверстие шара зритель видел чёрную точку, которая «есть абсолютно чёрное тело, как и зрачок глаза». Значит ли это, что мы смотрим на мир будто чёрными дырами, а когда встречаются взгляды двух людей — две чёрных дыры смотрят друг в друга, и рождается бесконечность?

В поиске ответа на этот вопрос можно было пробраться через душистые травы полей и густые ветви леса: художницы Екатерина Алисевич-Никольская и Елена Кольцова засняли их специально для инсталляции «Турлы». Дополнительные объекты — неоновая вывеска, пучок подожжённых трав и самодельные детские бусы — проложили дорогу к мифическому голубому льву: божеству, которое искали ещё шаманы.

Ещё одним из буквально втягивающих в себя объектов стала инсталляция Полины Волковой — бумажный город картонных лисиц, в котором пропитали жизнью каждую деталь: прорисованные чёрной гелевой пастой дверные ручки, вырезанные перекладины и даже тонкие веточки, выглядывающие из проделанного на чердаке окошка. Здесь были важны все до единой царапины: из них бережно сложили историю каждой из лисиц, которые на самом деле так похожи на нас — планами, мечтами и прошлым.

В этом году для экспозиции в здании «Веги-Абсолют» задействовали только первый этаж: так обеспечили неразрывность пространства и зрительского восприятия. Здесь полотна отошли на второй план: вперёд выдвинулись digital-объекты, интерактивные инсталляции и скульптура.

Знаковым объектом стал «Цифровой водопад» — преемник «Digital-костра» с Artweek-2021 и первая арт-коллаборация новосибирского художника Эдуарда Муратова с бессменным куратором фестиваля Маргаритой Моревой.

«После пандемии люди поняли, в чём ценность живого общения, и коллаборации стали давать ещё большую синергию: они помогают создать что-то новое, уникальное и большое.

Фестиваль — яркий пример, как объединение людей из очень разных сфер показывает, что искусство может быть в каждой из них», — размышляет Ася Василовская, куратор дневного блока.

Большое внимание привлекли и многослойные картины художника из Москвы Антона Бунденко, вся глубина которых раскрывалась при наведении камеры — тогда зрители оказывались среди переплетений бесчисленных букв и символов, заполняющих пространство вокруг. Так автор проиллюстрировал, насколько всеобъемлющими стали нейронные сети, с которыми мы взаимодействуем теперь уже большую часть нашего времени.

Продолжили этот вектор художники Глеб Солнцев и Алексей Газиев из творческого объединения SunGaz: их картины, размещённые в экспозиции, были «нарисованы» как раз нейронными сетями на основе тех данных, что собрали и загрузили в систему авторы.

Взаимодействие с искусственным интеллектом продлилось и в онлайн-перформансе Анжелы Чева «Свидание с Алисой»: художница предложила зрителям узнать ИИ так, как мы узнаём друг друга. Участница независимого художественного объединения Postart поговорила с голосовым помощником, но не о погоде на завтра или рецепте лёгкого ужина, а о семье, любимых развлечениях и смысле жизни. В итоге сложилось некое перетекание гуманизации: такое узнавание не только очеловечивает искусственно созданную систему, но и делает человечнее непосредственно наше собственное восприятие.

Несмотря на digital-ориентированность площадки, Artweek-2022 продолжил показывать, каким образом биология становится всё ближе к искусству и духовности. Например, в проекте «Ядро» Юстины Комиссаровой художница демонстрирует: личность развивается ровно по тем же принципам, что и клетка организма. При этом один из центральных тезисов — о том, что индивидуальность формируется стремительнее и становится сильнее в опасной среде.

Борьба и преодоление стали одним из выделяющихся рефренов экспозиции, но не обошлось и без тех работ, что подчеркнули: в выживании важно не перманентное сопротивление, а кооперация. Именно это показывает в своих арт-объектах биоарт-художница из ИТМО Павлина Белокреницкая. В «Симбиодевайсе» и «Децеллюляризации растений», с помощью которых художница проводит спекулятивное исследование межвидовой коммуникации растений и птиц, она заявляет: даже очень разные виды способны сделать сосуществование друг друга комфортнее и легче.

«Science art — однозначно новый этап и мировая тенденция. Нынешняя ситуация и будущее ставят перед нами новые вызовы, и мы не всегда можем ответить на них традиционными формами искусства. Иногда нам нужны данные, иногда эксперименты, и science art может помочь найти эти ответы — он подсвечивает пустоты и неопределённости, чтобы в будущем их получилось решить», — говорит Павлина Белокреницкая, студентка ИТМО.

Пристальное внимание пригодилось зрителям не только при изучении объектов, созданных на стыке искусства с наукой: бытование тоже заслуживает того, чтобы в него всматриваться. Это показали фотографы из Красноярска Полина и Владимир Мордвиновы, также известные как The Red Eyes Group. На первый взгляд их кадры Untitled Unmastered — обычные зарисовки привычной каждому рутины; ровно до тех пор, пока не подойдёшь ближе. Тогда шаблонная реальность разлетается на двоящиеся телевизоры, идеально гладкие осколки и парящие простыни.

Скульптура, представленная в экспозиции в 2022 году, словно стала срезом самого острого месяца этой весны. Например, керамические воплощения мировых fashion-брендов, созданные Екатериной Афониной, — будто слепки застывшего гламура и памяти о беззаботной красоте, которую мы всё ещё пытаемся ухватить в резко изменившемся мире.

Полной противоположностью по форме и материалу, но крайне схожими в главной тезе были бетонные скульптуры «Метаморфозы ядерного мира» Шина Зыкова, которые передавали ощущение будто бы нерушимого, но на деле такого хрупкого мира, в чём можно было убедиться за последние месяцы.

В этот раз экспозицию на базе «Веги» снова выставили без фоновой музыки: звучанием пространство наполнили инсталляции, которые функционируют за счёт прямого воздействия зрителей. В этом году такими арт-объектами были Dream Routes Анны Пряхиной и «Поющие камни» студии креативных технологий Playtronica. В обоих объектах звук создавался из света: в Dream Routes для этого использовалась лампочка, в Playtronica — преломление солнечных лучей через призму.

Объекты взаимодействовали не только со зрителем, но и между собой: в первую очередь на уровне расстановки. Например, «через стенку» от аудиовизуальной инсталляции новосибирского фотографа Ольги Шпак «Рентген», внутри которой всё время находились живые мадагаскарские тараканы, поместили «Дыхательные практики» Диляры Гарифжановой с лёгкими из ткани. Так два произведения на радикально разные темы образовали единое пространство, противоположные полюса которого замкнули эмоциональный спектр.

На протяжении фестиваля шла и программа мероприятий, которую разделили на дневной и вечерний блоки. Днём вниманию гостей было предложено просвещение — лекции и мастер-классы, а вечера отдали под перформансы, спектакли и вдохновение.

Организаторы Artweek уверены: искусство способно помочь современному человеку в том числе избежать выгорания, так как оно даёт возможность переключить внимание и замедлиться, сконцентрировавшись не только на чьём-либо творчестве, но и на своих ощущениях, которые оно вызывает.

«Мы хотели создать поддерживающую заботливую площадку, чтобы люди могли погрузиться не только в искусство, но и в самих себя.

Манифест «отправной точки», который мы использовали в последней идее, очень хорошо совпадает с концепцией поддержки самого себя», — заключает Ася Василовская, куратор дневного блока.